Le Quartz - Scène nationale de Brest

To be or not to be

Le Quartz - Scène nationale de Brest — 2018-01-11T13:46:46Z

EN PARTENARIAT AVEC LA MAISON DU THÉÂTRE

SÉANCES SCOLAIRES JEU 15 (14h30), VEN 16 (14h30)
A partir de 10 ans

CRÉATION
Sur scène, deux danseurs, l'un issu du hip-hop, l'autre de la scène contemporaine, se lancent dans une chorégraphie à la fois répétitive et récréative pour illustrer les thèmes de la transmission de l'adulte à l'enfant et de la rébellion adolescente.

MANI. A. MUNGAI (France)
Danseur au Kenya pour le chorégraphe Opiyo Okach, Mani A. Mungai se forme au Sénégal à l'École des Sables de Germaine Acogny avant de rejoindre, à Brest en 2002, Bernardo Montet. Interprète au sein de la compagnie Mawguerite dans O. More et Parcours 2C (Vobiscum), il est ensuite et jusqu'en 2005, danseur permanent du CCN de Tours, aux côtés du chorégraphe. Il danse également pour Raphaëlle Delaunay, Farid Berki, Emmanuel Grivet, Boris Charmatz, Rachid Ouramdane et Dorothée Munyaneza. En 2006, il crée son premier solo Chronological Pt. 1. et fonde sa compagnie Wayo – qui signifie empreinte de pieds en swahili, « pour rappeler le point de départ, son ancrage, ses racines, le premier pas, et bien entendu la trace ». Au contact du texte, de la poésie, de la vidéo, ou de l'art contemporain, Mani A. Mungai brouille les contours de la danse, et réinterroge la forme chorégraphique. Diplômé des Gobelins - l'école de l'image, en tant que chef opérateur, Mani A. Mungai réalise également des vidéos de danse. En 2010, il crée deux soli inspirés de son vécu intitulés Babel Bled et Babel Blabla à partir de 7 ans. En 2013, il crée un trio d'hommes I like-me (m'aime pas mal), une performance avec la poète Isabelle Garron Le Pas contemporain et réalise un film pour le musée des Beaux-Arts de Rennes sur Le Labyrinthe du GRAV (Groupe de Recherche en Arts Visuels). En 2015, il crée des performances en écho aux expositions présentées au Quartier – Centre d'art contemporain de Quimper et à l'Atelier Estienne – Centre d'Art Contemporain de Pont-Scorff qu'il intitule M. vs… qu'il décline en 2016 sur le Pays de Lorient en M.vs Itinéraires Graphiques. En 2016, il crée The Letter, un projet au croisement de la danse, des arts plastiques et du théâtre. To be or not to be duo chorégraphique à partir de 10 ans, qui a fait l'objet d'une commande d'écriture à l'auteur dramatique jeunesse Philippe Gauthier, sera créé en mars 2018 au festival DañsFabrik.

Backline

Le Quartz - Scène nationale de Brest — 2018-01-11T13:46:44Z

EN PARTENARIAT AVEC LA CARÈNE

Photos, données personnelles, géolocalisation… Au fil des ans, notre vie intime est devenue de moins en moins privée. Avec leur nouvelle création, Thierry Micouin et Pauline Boyer évoquent la fragilisation par les nouvelles technologies de la frontière entre la sphère privée et publique. Une installation de quinze micros sur pieds disposés en cercle, certains transformés en haut-parleurs et d'autres en webcam enregistrent chaque fait et geste du danseur. Les images et les sons enregistrés sont repris, amplifiés, triturés, mis en boucle.

THIERRY MICOUIN (France)
Titulaire d'un doctorat en médecine, Thierry Micouin se forme au théâtre puis à la danse auprès de l'équipe du Tanztheater Wuppertal et de Peter Goss. Depuis 2002, il collabore en tant que danseur et vidéaste avec Catherine Diverrès qui, comme Dominique Mercy et Malou Airoudo – tous deux associés au Tanztheater Wuppertal – fondent son identité chorégraphique, ancrée sur la technique, la perception de l'espace, la matérialisation du temps, l'exploration de la mémoire et de l'imaginaire. Thierry Micouin développe un travail de recherche et de création sur l'image et la vidéo. Certains de ses films ont été présentés en 2004 et 2011 dans le cadre de Vidéo danse au Centre Georges Pompidou – Paris. Il crée son premier solo W.H.O. – 2006 dans lequel il interroge au travers de sa propre construction identitaire adolescente la question de l'identité sexuelle et la violence des stéréotypes de genre. Lauréat du programme Culturesfrance - Hors les murs (Villa Médicis), il réside à New-York où il crée un projet autour de la prostitution masculine mêlant installation vidéo et performance : Men at work, go slow ! – 2006. Il collabore avec Boris Charmatz – notamment comme interprète dans Levée des conflits et Enfant, puis assistant sur Manger – et Olivier Dubois – dans Tragédie pièce pour 18 danseurs puis dans Auguri pièce pour 22 danseurs. Depuis 2013, il mène avec la plasticienne et paysagiste Pauline Boyer une recherche motivée par leur intérêt commun pour les sciences. Un travail dans lequel la notion d'installation est centrale et centrée sur l'écriture chorégraphique et musicale, sur le rapport entre environnement visuel et sonore, sur les technologies interactives et les phénomènes physiques. Ils créent ensemble Double Jack – 2014 pour deux interprètes et une installation interactive de cinq guitares électriques sur le thème de la masculinité (présenté au Quartz – Scène nationale de Brest en octobre 2016). Leur second projet, Synapse – 2015 pour trois danseurs et une installation visuelle et sonore d'arcs électriques, est créé au Festival Mettre en Scène – Rennes. Backline, installation chorégraphique et sonore, est créée en novembre 2017 au Manège – scène nationale de Reims où Thierry Micouin est artiste en compagnonnage.

PAULINE BOYER / MUSIQUE & DISPOSITIF INTERACTIF
Plasticienne sonore / chercheur associé UMR 5319 Passages.
Artiste et enseignante, Pauline Boyer met en place des contextes sonores au travers d'installations et de performances. Sa position artistique prend corps autant dans l'élaboration d'un processus que dans celle de ses interfaces. Elle se manifeste par la fabrication de systèmes de relations entre la matière, l'écriture, le geste et opère au contact d'un matériau qui se compose en temps réel.
Enseignante titulaire à l'école d'architecture et de paysage de Bordeaux, elle y développe des pédagogies croisant les langages de l'art, de l'architecture, du paysage, pour nourrir les processus de création d'espaces d'altérité.
Associée depuis 2013 à T.M Project, elle y articule avec Thierry Micouin un milieu où se croisent le geste musical et l'embrasement des figures de contrôle. Cette démarche met en scène des étendues où se rencontrent les vérités conditionnelles et les variations d'intensités, le langage et l'impulsion, la récursion et sa déformation. Un milieu bruissant sous tension qui abrite la mémoire vive des trajectoires qui le traverse et le devenir des dérives suggérées.
Ses installations et performances ont notamment été présentées au Festival des 38ème rugissants à Grenoble, au 104 à Paris, à la Biennale d'Art Contemporain à Rennes ou à la Nuit Blanche à Metz.

Bolero Bolero Bolero pour 1 performeur

Le Quartz - Scène nationale de Brest — 2018-01-11T13:46:42Z

En CORÉALISATION AVEC DANSE À TOUS LES ÉTAGES

Un performeur donne à voir, au fil de la danse, un processus de rassemblement du corps par la répétition et la déclinaison de formes, d'espaces et de musicalités. Le corps dansant cherche son autonomie, entre don et résistance, entre désirs, élans et renoncements continus. Il investit silencieusement sa propre actualité, il travaille sa liberté intime et respire pour une liberté collective.

LOUIS BARREAU (France)
Issu d'une formation pluridisciplinaire au conservatoire de la Roche-sur-Yon (art dramatique, accordéon, danse contemporaine et classique) et titulaire d'un baccalauréat littéraire mention danse, Louis Barreau poursuit ses études au Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance à Londres. Il se forme aux choreological studies, se spécialise en classique, release, Graham, Cunningham, contact improvisation et obtient le prix d'excellence en composition chorégraphique (Simone Michelle Award for Outstanding Choreography Achievement). Dès 2014, il crée à Nantes la compagnie danse louis barreau et entreprend conjointement un Master de recherche en danse à l'Université Paris 8 qu'il obtient en 2016 avec la mention très bien. Louis Barreau danse dans le solo L'homme populaire – 2016 de Bernadette Gaillard – cie Immanence. Après deux résidences de création à La Briqueterie – CDC du Val-de-Marne et à La Fabrique-Laboratoire(s) Artistique(s) – Nantes, il signe sa première création chorégraphique Bolero Bolero Bolero pour 1 performeur – printemps 2016. Il construit ensuite dans le cadre d'une résidence à micadanses – Paris Bolero Bolero Bolero pour 3 performeurs, créé à l'automne 2016 à L'Étoile du nord–scène conventionnée danse – Paris. Klisis Kliseis (Déclinaison Déclinaisons), dernier volet du triptyque chorégraphique sur la répétition et la déclinaison, accompagné par Paris Réseau Danse, est créé en septembre 2017 à micadanses. Louis Barreau centre ses recherches théoriques et pratiques sur des questionnements inhérents à la composition chorégraphique, portant sur la mutation progressive et cyclique d'états et de gestes de base, sur son rapport au monde, en tant qu'être vivant, homme et artiste.

En danseuse

Le Quartz - Scène nationale de Brest — 2018-01-11T13:46:40Z

ONZE DANSES, ONZE CHORÉGRAPHES

DISPOSITIF VIDÉO-SONORE :
Mardi 13 (18h à 23h), Mercredi 14 (12h à 23h), Jeudi 15 (10h à 23h),
Vendredi 16 (10h à 23h) & Samedi 17 mars (10h à 23h)
Accès libre toute la semaine en continu

DANSE-LIVE Rémy Héritier / Jennifer Lacey :
Vendredi 16 (12h30 & 19h30)
Samedi 17 (12h30 & 19h30)

CRÉATION
En danseuse se fonde sur l'idée que le corps du chorégraphe est la source même de son œuvre. Alain Michard crée une danse avec chacun des onze chorégraphes qui participent au projet, témoignant de ce que leur corps, peuplé de toutes les danses qui s'y sont inscrites, est à la fois une vaste archive et une Histoire vive de la danse.
Chaque danse est filmée, dans son surgissement, libre du contexte spectaculaire.

Les onze danses sont présentées dans un dispositif vidéo-sonore, où elles composent un ensemble, tissant des liens, créant des rencontres, interrompues ponctuellement par une « danselive » interprétée par un.e chorégraphe invité.e.
Après DañsFabrik, le processus de création En danseuse continue. Un deuxième programme, En danseuse (part 2), sera créé avec 11 autres chorégraphes à l'occasion de nouvelles résidences en 2018 et 2019.

ALAIN MICHARD (Bretagne)
A partir de la danse, Alain Michard chorégraphe et artiste visuel, mène parallèlement plusieurs projets artistiques, en s'emparant de différents médiums : musique, film, photographie, texte. Ses influences vont de la post-modern dance aux films d'Alain Cavalier, des textes de Beckett à la musique de Robert Ashley en passant par les oeuvres de Robert Filliou…
Ses projets se construisent au plus près des interprètes, en recherche d'une théâtralité du mouvement. Ils sont traversés par les thèmes de l'errance et de la recherche d'une communauté (cf BING d'après Beckett, le solo Parkinson, ou le film Clandestine). Ses projets se construisent dans un lien fort aux contextes, travaillant sur la perception et l'imaginaire des villes et des paysages (Promenades blanches, En son quartier). Il développe des collaborations, avec d'autres artistes – Nicolas Floc'h, Mathias Poisson, Jocelyn Cottencin, Mustafa Kaplan, Loïc Touzé… – et parfois en intégrant dans ses processus des amateurs et les habitants des lieux qui l'accueillent (cf A domicile-Guisseny, créé en 2007).
Il a été interprète pour les chorégraphes Odile Duboc, Marco Berrettini, Boris Charmatz, le metteur en scène Xavier Marchand et la cinéaste Judith Cahen. Alain Michard a été lauréat de la Villa Kujoyama / Kyoto - 2001 et de la Villa Médicis « hors les murs » / Istanbul - 2009.
Ses films, documentaires ou fictions, sont basés pour certains sur sa relation avec la danse. Son rapport au cinéma l'a conduit à créer la pièce jeune public Le beau mariage (2016-17). L'exploration des relations de la danse avec l'image se poursuit avec En danseuse.

TERÇA-FEIRA : Tudo o que é sólido dissolve-se no ar

Le Quartz - Scène nationale de Brest — 2018-01-11T13:46:36Z

PREMIÈRE FRANÇAISE
À partir de 12 ans / Sous-titré

MARDI : TOUT CE QUI EST SOLIDE FOND DANS L'AIR
Cláudia et Luca ont construit un récit visuel en utilisant comme ligne conductrice l'histoire d'un garçon de dix ans dont les grands-parents ont été expulsés de Palestine, puis du Liban et qui voyagent de Syrie jusqu'en Italie. En parallèle, les artistes ont créé un récit sonore avec des bruits de cette fuite. Tout cela, y compris les corps de Cláudia et Luca, est non verbal, précisément pour éviter des idées préconçues. Le texte, plutôt que de sortir de la bouche des acteurs, ce qui pourrait créer une confusion et une identification avec des réfugiés, est projeté sur le plateau afin de souligner la distance qui sépare les acteurs des réfugiés.

CLÀUDIA DIAS (Portugal)
Cláudia Dias débute sa formation chorégraphique à l'Academia Almadense et reçoit une bourse pour étudier à la Companhia de Dança – Lisbonne. Elle suit la formation au Forum Dança dédiée aux interprètes de danse contemporaine et le cycle de management des organisations et projets culturels dispensé par Cultideias. Elle achève actuellement son Master en arts du spectacle à l'Université Nova – Lisbonne. Elle débute comme interprète avec le Grupo de Dança de Almada et intègre le collectif d'artistes Ninho de Víboras. Elle collabore régulièrement avec la compagnie Re.Al, et, aux côtés de João Fiadeiro, s'engage pour le développement, la systématisation et la transmission de la technique de « composition en temps réel », qu'elle enseigne depuis 2007. Son travail original, aujourd'hui international, comprend de nombreuses performances. Cláudia Dias travaille actuellement sur un projet de sept ans (2015-22) : Seven years Seven pieces contre l'idée d'un avenir absent ou précaire, minutieusement établi année après année. Monday : Watch out for the right ! (Lundi : Attention à droite !), première des sept pièces, est créée en 2016. Tuesday : All that is solid melts into air (Mardi : Tout ce qui est solide fond dans l'air) est créée en mars 2017 au Maria Matos Teatro Municipal – Lisbonne.

Les Serrenhos du Caldeirão exercices en anthropologie fictionnelle

Le Quartz - Scène nationale de Brest — 2018-01-11T13:46:34Z

Ce travail a été élaboré dans le cadre du Festival Rencontres du DeVir, autour de la désertification/déshumanisation de la Serra do Caldeirão dans l'Algarve. L'une des conditions proposées par cette commande était d'utiliser des images vidéo que je devais prendre moi-même dans la Serra. Oui j'ai filmé. Et oui je les ai utilisées. Mais j'ai aussi beaucoup eu recours aux recueils filmiques de Michel Giacometti, en particulier ceux qu'il a fait autour des chants de travail avec ce "portrait élargi" des Serrenhos du Caldeirão, je parle dans cette pièce des peuples possédant une connaissance que nous avons perdue. Une connaissance dans la relation entre le corps et l'esprit, entre le quotidien et l'art, mais une connaissance que nous pouvons (et devons, pour notre bien) réactiver. Toute ma danse finale fait référence à cela.

VERA MANTERO (Portugal)
Vera Mantero étudie la danse classique avec Anna Mascolo puis intègre le Ballet Gulbenkian de 1984 à 1989 avant de suivre durant une année à New-York les enseignements de Merce Cunningham et travailler la voix, le théâtre et la composition. Elle signe sa première création chorégraphique en 1987 et développe depuis 1991 une carrière internationale marquée par des solos, dont les plus récents sont Les Serrenhos du Caldeirão, exercices en anthropologie fictionnelle – 2012 et Rich Bread – 2017 et des pièces de groupe dont la plus récente est Le propre et le Sale – 2016. En 2013 et 2014, elle crée les installations performatives Shadows on offer et More or less, but less than more. Ces trois récents projets reflètent les préoccupations de la chorégraphe pour les questions fondamentales de l'environnement, de la durabilité économique et de la citoyenneté. Eating your heart, créé avec le sculpteur Rui Chafes a représenté le Portugal à la 26e Biennale de São Paulo en 2004 et a été repris sous le titre de Eating your heart out on the trees – 2015. Elle participe régulièrement à des projets internationaux d'improvisation aux côtés de Lisa Nelson, Mark Tompkins, Meg Stuart et Steve Paxton. Depuis 2000, elle se consacre également au travail vocal et participe en co-création à des projets de musique expérimentale. Elle enseigne régulièrement la composition et la création au Portugal et à l'étranger. En 2002, elle reçoit le Prix Almada (IPAE/Ministère Portugais de la Culture) et en 2009 le Prix Gulbenkian Arte pour sa carrière en tant que chorégraphe et interprète. Vera Mantero a été invitée par Boris Charmatz à faire partie des Vingt Danseurs pour le XXe siècle, archive vivante des solos chorégraphiques du XXe siècle, qui a notamment eu lieu à l'Opéra de Paris / Palais Garnier en 2015.

Vocoder & Camouflage : Tactics of Decay

Le Quartz - Scène nationale de Brest — 2018-01-11T13:46:31Z

EXPOSITION VOCODER & CAMOUFLAGE JUSQU'AU 28 AVRIL
Mardi 13 (11h à 20h), du mercredi 14 au vendredi 16 (11h à 18h30), samedi 17 (14h à 18h30) mars
ACTIVATION TACTICS OF DECAY
Mercredi 14, jeudi 15, vendredi 16 et samedi 17 (17h tous les jours)
Avec Alan Briend et Catarina Miranda
Durée de l'activation 30mn

EN PARTENARIAT AVEC CENTRE D'ART CONTEMPORAIN PASSERELLE

L'installation repose sur une toxicité électrique à travers une jungle technicolor habitée par des organismes spectraux, des ruines de voix et des aperçus de lumière filtrée. Pendant trois mois la simulation du mécanisme végétal rendra la décomposition visible à travers pléthores de branches et de feuilles - forêt suspendue. La carcasse massive de débris floraux sera activée par des vibrations de lumière, son et fumée expirés par le procédé organique de la décomposition. Pendant ce temps le centre langoureux de la construction est rempli de couleurs techniques et de scintillement synthétique. L'écran devient un amas végétal ; la surface de tiges et de feuilles a muté en un container décadent d'optimisme numérique. Le réseau de vibrations lymphatiques est stimulé par l'écho, le rayonnement et l'odeur, coexistant avec un circuit de système sonore de voix artificielles et d'autres organismes accidentels et polymorphes. Vocoder & Camouflage est un épisode d'une investigation de longue date sur les acoustiques souterraines, le collectif inconscient de la Terre et de ses machines verticales et animistes.

Pendant le festival, l'installation Vocoder & Camouflage sera contaminée par deux activations intitulées Tactics of Decay. Ces procédures intercepteront la jungle chromatique installée à Passerelle en modulant sa toxicité intrinsèque.

JONATHAN ULIEL SALDANHA (Portugal)
Artiste touche à tout, Jonathan Uliel Saldanha réalise aussi bien des œuvres musicales, que des créations scéniques ou vidéos. Il utilise des techniques telles que le live-dubbing, l'électroacoustique
Son œuvre examine notamment les relations du son et de sa résonnance, de l'écho et de la récursivité, le pré-langage ou les fréquences subsoniques.
Il forme avec Nyko Esterle le duo Fujako, mentor du projet HHY & The Macumbas et est le fondateur du collectif SOOPA, producteur et diffuseur de concerts et de performances.
Jonathan Uliel Saldanha collabore notamment avec Adrian Sherwood, Arthur Doyle, Benjamin Brejon, Raz Mesinai, Carlos Zíngaro, Catarina Miranda, Franklin Pereira, Frederic Alstadt, Gustavo Costa, Jessika Kenney, João Pais Filipe, Mark Stewart, Eyvind Kang, Nyko Esterle, Regina de Miguel et Steve Mackay.
Au printemps 2017, il présente Oxidation Machine au Palais de Tokyo.

DJ Set

Le Quartz - Scène nationale de Brest — 2018-01-11T13:46:29Z

DÉBUT DU CONCERT A 0H30 !
L'habituelle soirée conviviale, festive et dansante du festival, ouverte aux festivaliers nightclubbers – et à tou·te·s !

- 2016/2017

Saison 2017/2018

Le Quartz - Scène nationale de Brest — 2017-05-30T16:33:38Z

Une soirée ouverte à tous pour découvrir le programme des spectacles à venir, évoquer les festivals, noter les rendez-vous du Quartz de septembre 2017 à juin 2018. Et pour conclure la soirée, le film-teaser de la saison 2017/2018… et l'habituelle rencontre avec l'équipe du Quartz autour d'un verre.

Mini Chorus

Le Quartz - Scène nationale de Brest — 2017-04-26T13:18:37Z

Dans la lignée de Chorus, et toujours en collaboration avec Marcela Santander Corvalán, Mickaël Phelippeau ré-interroge la mobilité d'un chœur, mais cette fois-ci avec des enfants.

« Nous allons de nouveau collaborer avec Laure Leyzour, l'une des chefs de chœur de l'ensemble vocal Voix Humaines avec qui nous avons créé la pièce originale et qui travaille avec de jeunes chanteurs au sein du conservatoire de Brest.
D'entrée de jeu, un nouveau paramètre : nous ne pourrons pas différencier les pupitres, les voix n'étant pas celles d'adultes comme les alti pour les femmes ou les basses pour les hommes.
Cela appuie également l'aspect éphémère de ce projet, en tous les cas avec les enfants avec lesquels nous travaillerons dans ce contexte. Et cela renforce d'autant plus ce qu'est le spectacle vivant. »
Mickaël Phelippeau et Marcela Santander Corvalán